Foto: Courtesy Naturhistorisches Museum

Din kunsthistories skulptur, denne lille figuren som måler litt over fire tommer i høyden, ble oppdaget i Østerrike i 1908. Ingen vet hvilken funksjon den tjente, men gjetting har variert fra fruktbarhetsgudinne til onanihjelp.Noen forskere antyder at det kan ha vært et selvportrett laget av en kvinne.Det er den mest kjente av mange slike gjenstander fra eldre steinalder.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Philip Pikart

Dette portrettet har vært et symbol på feminin skjønnhet siden det først ble avdekket i 1912 i ruinene av Amarna, hovedstaden bygget av den mest kontroversielle farao i oldtidens egyptiske historie: Akhenaten.Livet til dronningen hans, Nefertiti, er noe av mystikk: Det antas at hun regjerte som farao en tid etter Akhenatens død – eller mer sannsynlig, som medregent til guttekongen Tutankhamon.Noen egyptologer tror hun faktisk var Tuts mor.Denne stukkaturbelagte kalksteinsbysten antas å være håndverket til Thutmose, Akhenatens hoffskulptør.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Oppdaget i 1974, er Terracotta Army en enorm cache av leirstatuer begravd i tre massive groper nær graven til Shi Huang, den første keiseren av Kina, som døde i 210 f.Kr.Hensikten med å beskytte ham i etterlivet, antas hæren av noen estimater å ha mer enn 8000 soldater sammen med 670 hester og 130 stridsvogner.Hver er i naturlig størrelse, selv om den faktiske høyden varierer i henhold til militær rang.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/LivioAndronico

Kanskje den mest kjente skulpturen fra den romerske antikken,Laocoön og hans sønnerble opprinnelig avdekket i Roma i 1506 og flyttet til Vatikanet, hvor det holder til den dag i dag.Den er basert på myten om en trojansk prest som ble drept sammen med sønnene sine av sjøslanger sendt av havguden Poseidon som gjengjeldelse for Laocoöns forsøk på å avsløre rusen til den trojanske hesten.Opprinnelig installert i palasset til keiser Titus, er denne figurative gruppen i naturlig størrelse, tilskrevet en trio av greske skulptører fra øya Rhodos, uovertruffen som en studie av menneskelig lidelse.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Et av de mest ikoniske verkene i hele kunsthistorien, Michelangelos David hadde sin opprinnelse i et større prosjekt for å dekorere støttebenene til Firenzes store katedral, Duomo, med en gruppe figurer hentet fra Det gamle testamente.DeDavidvar en, og ble faktisk startet i 1464 av Agostino di Duccio.I løpet av de neste to årene klarte Agostino å grove ut en del av den enorme blokken med marmor som ble hugget fra det berømte steinbruddet i Carrara før han stoppet i 1466. (Ingen vet hvorfor.) En annen kunstner tok opp slakk, men han også bare jobbet kort med det.Marmoren forble urørt de neste 25 årene, helt til Michelangelo gjenopptok utskjæringen i 1501. Han var 26 år på den tiden.Da den var ferdig, veide David seks tonn, noe som betyr at den ikke kunne heises til katedralens tak.I stedet ble den stilt ut like utenfor inngangen til Palazzo Vecchio, Firenzes rådhus.Figuren, en av de reneste destillasjonene av høyrenessansestilen, ble umiddelbart omfavnet av den florentinske offentligheten som et symbol på bystatens egen motstand mot maktene som var stilt mot den.I 1873 bleDavidble flyttet til Accademia Gallery, og en kopi ble installert på sin opprinnelige plassering.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, anerkjent som opphavsmannen til den høyromerske barokkstilen, skapte dette mesterverket for et kapell i Santa Maria della Vittoria-kirken.Barokken var uløselig knyttet til motreformasjonen der den katolske kirke forsøkte å demme opp for protestantismens bølger over hele Europa på 1600-tallet.Kunstverk som Berninis var en del av programmet for å bekrefte pavelige dogmer, godt tjent her av Berninis geni for å fylle religiøse scener med dramatiske fortellinger.Ekstaseer et eksempel: Temaet – den hellige Teresa av Ávila, en spansk karmelitt-nonne og mystiker som skrev om møtet med en engel – er avbildet akkurat da engelen er i ferd med å stupe en pil inn i hjertet hennes.Ekstase's erotiske overtoner er umiskjennelige, mest åpenbart i nonnens orgasmiske uttrykk og det vridende stoffet som omslutter begge figurene.En arkitekt som en kunstner, Bernini tegnet også rammen til kapellet i marmor, stukkatur og maling.

Foto: Courtesy The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Den italienske kunstneren Antonio Canova (1757–1822) regnes for å være den største billedhuggeren på 1700-tallet.Hans arbeid representerte den nyklassiske stilen, som du kan se i hans gjengivelse i marmor av den greske mytiske helten Perseus.Canova laget faktisk to versjoner av stykket: Den ene er bosatt i Vatikanet i Roma, mens den andre står i Metropolitan Museum of Arts europeiske skulpturdomstol.

Foto: Metropolitan Museum of Art

Mens impresjonistmesteren Edgar Degas er mest kjent som maler, jobbet han også med skulptur, og produserte det som uten tvil var den mest radikale innsatsen i hans oeuvre.Degas fashionedDen lille fjorten år gamle danserenut av voks (hvorfra påfølgende bronsekopier ble støpt etter hans død i 1917), men det faktum at Degas kledde sitt eponyme motiv i en faktisk ballettdrakt (komplett med livstykke, tutu og tøfler) og parykk av ekte hår vakte en sensasjon daDanserdebuterte på den sjette impresjonistutstillingen i 1881 i Paris.Degas valgte å dekke mesteparten av pyntene sine i voks for å matche resten av jentas trekk, men han beholdt tutuen, samt et bånd som festet håret hennes, som de var, noe som gjorde figuren til et av de første eksemplene på gjenstander som ble funnet. Kunst.Danservar den eneste skulpturen som Degas stilte ut i sin levetid;etter hans død ble det funnet 156 flere eksempler som vant til i studioet hans.

Foto: Courtesy Philadelphia Museum of Art

Mens de fleste forbinder den store franske billedhuggeren Auguste Rodin medTenkeren, er dette ensemblet som minnes en hendelse under hundreårskrigen (1337–1453) mellom Storbritannia og Frankrike viktigere for skulpturhistorien.Oppdrag for en park i byen Calais (hvor en årelang beleiring av engelskmennene i 1346 ble opphevet da seks byeldste tilbød seg henrettelse i bytte mot å skåne befolkningen),Borgerneunngikk formatet som er typisk for monumenter på den tiden: I stedet for figurer isolert eller stablet inn i en pyramide på toppen av en høy pidestall, satte Rodin motivene i naturlig størrelse direkte på bakken, i nivå med betrakteren.Denne radikale bevegelsen mot realisme brøt med den heroiske behandlingen som vanligvis tildeles slike utendørsverk.MedBorgerne, tok Rodin et av de første skrittene mot moderne skulptur.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

I 1912 skapte Picasso en pappmaquette av et stykke som ville ha en stor innvirkning på 1900-tallets kunst.Også i MoMAs samling avbildet den en gitar, et emne Picasso ofte utforsket i maleri og collage, og i mange henseender,Gitaroverførte collages klippe- og limteknikker fra to dimensjoner til tre.Det gjorde det samme for kubismen også, ved å sette sammen flate former for å skape en mangefasettert form med både dybde og volum.Picassos innovasjon var å unngå den konvensjonelle utskjæringen og modelleringen av en skulptur ut av en solid masse.I stedet,Gitarble festet sammen som en struktur.Denne ideen ville gjenklang fra russisk konstruktivisme ned til minimalisme og utover.To år etter å ha lagetGitari papp, skapte Picasso denne versjonen i utklippet tinn

Foto: Metropolitan Museum of Art

Fra sin radikale begynnelse til sin endelige fascistiske inkarnasjon, sjokkerte italiensk futurisme verden, men intet enkelt verk eksemplifiserte bevegelsens rene delirium enn denne skulpturen ved en av dens ledende lys: Umberto Boccioni.Startet som maler, vendte Boccioni seg til å jobbe i tre dimensjoner etter en tur til Paris i 1913 der han turnerte i studioene til flere avantgarde-skulptører fra perioden, som Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon og Alexander Archipenko.Boccioni syntetiserte ideene sine til dette dynamiske mesterverket, som skildrer en skridende figur satt i en "syntetisk kontinuitet" av bevegelse slik Boccioni beskrev det.Stykket ble opprinnelig laget i gips og ble ikke støpt i sin kjente bronseversjon før i 1931, godt etter kunstnerens død i 1916 som medlem av et italiensk artilleriregiment under første verdenskrig.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Født i Romania, Brancusi var en av de viktigste skulptørene fra modernismen tidlig på 1900-tallet - og faktisk en av de viktigste figurene i hele skulpturens historie.En slags proto-minimalistisk tok Brancusi former fra naturen og strømlinjeformet dem til abstrakte representasjoner.Stilen hans ble påvirket av folkekunsten i hjemlandet, som ofte inneholdt levende geometriske mønstre og stiliserte motiver.Han gjorde heller ingen forskjell mellom objekt og base, og behandlet dem, i visse tilfeller, som utskiftbare komponenter - en tilnærming som representerte et avgjørende brudd med skulpturelle tradisjoner.Dette ikoniske stykket er et portrett av hans modell og kjæreste, Margit Pogány, en ungarsk kunststudent han møtte i Paris i 1910. Den første iterasjonen ble skåret i marmor, etterfulgt av en gipskopi som denne bronsen ble laget av.Selve gipsen ble stilt ut i New York på den legendariske Armory Show i 1913, hvor kritikere hånet og pillet den.Men det var også det mest reproduserte stykket i showet.Brancusi jobbet med ulike versjoner avMlle Poganyi rundt 20 år.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Sykkelhjulregnes som den første av Duchamps revolusjonerende readymades.Men da han fullførte stykket i sitt Paris-studio, ante han egentlig ikke hva han skulle kalle det."Jeg fikk den glade ideen å feste et sykkelhjul til en kjøkkenkrakk og se den snu," sa Duchamp senere.Det tok en tur til New York i 1915, og eksponering for byens enorme produksjon av fabrikkbygde varer, før Duchamp kom opp med den ferdiglagde termen.Enda viktigere, han begynte å se at det å lage kunst på den tradisjonelle, håndlagde måten virket meningsløst i den industrielle tidsalderen.Hvorfor bry seg, sa han, når allment tilgjengelige produserte varer kunne gjøre jobben.For Duchamp var ideen bak kunstverket viktigere enn hvordan det ble laget.Denne forestillingen – kanskje det første virkelige eksemplet på konseptuell kunst – ville fullstendig transformere kunsthistorien fremover.Omtrent som en vanlig husholdningsgjenstand, derimot, originalenSykkelhjuloverlevde ikke: Denne versjonen er faktisk en kopi fra 1951.

Fotografi: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Et elsket inventar av Whitney Museums permanente samling,Calders sirkusdestillerer den lekne essensen som Alexander Calder (1898–1976) tok i bruk som en kunstner som var med på å forme 20.-skulpturen.Sirkus, som ble skapt under kunstnerens tid i Paris, var mindre abstrakt enn hans hengende "mobiler", men på sin egen måte var den like kinetisk: Laget hovedsakelig av ledning og tre,Sirkusfungerte som midtpunktet for improvisasjonsforestillinger, der Calder beveget seg rundt forskjellige figurer som skildrer contortionists, sverdsvelgere, løvetemmere, etc., som gudelignende ringmaster.

Foto: Courtesy The J. Paul Getty Museum

Som maler og billedvevdesigner så vel som skulptør, kan den franske kunstneren Aristide Maillol (1861–1944) best beskrives som en moderne nyklassisist som satte et strømlinjeformet spinn fra 1900-tallet på tradisjonelle gresk-romerske statuer.Han kan også beskrives som en radikal konservativ, selv om det bør huskes at selv avantgarde-samtidige som Picasso produserte verk i en tilpasning av nyklassisk stil etter første verdenskrig. Maillols tema var den kvinnelige naken, og iReir, han har skapt en kontrast mellom den materielle massen til motivet hans, og måten hun ser ut til å sveve i rommet – som balanserer, som det var, hard fysiskhet med flyktig tilstedeværelse.

Foto: Courtesy CC/Flickr/C-Monster

En japansk kunstner som jobber i flere medier, Kusama kom til New York i 1957 og returnerte til Japan i 1972. I mellomtiden etablerte hun seg som en hovedfigur i sentrumsscenen, en hvis kunst berørte mange baser, inkludert popkunst, minimalisme og Performance Art.Som en kvinnelig kunstner som ofte refererte til kvinnelig seksualitet, var hun også en forløper for feministisk kunst.Kusamas arbeid er ofte preget av hallusinogene mønstre og repetisjoner av former, en tilbøyelighet forankret i visse psykologiske tilstander – hallusinasjoner, OCD – hun har lidd siden barndommen.Alle disse aspektene ved Kusumas kunst og liv gjenspeiles i dette verket, der en vanlig, polstret lenestol på en nervepirrende måte er oppslukt av et pestlignende utbrudd av falliske fremspring laget av sydd utstoppet stoff.

Fotografi: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016), bare kjent under fornavnet hennes, ble født i Paris av venezuelanske foreldre.Som kunstner ble hun assosiert med Pop Art og senere Op Art, men stilistisk tilhørte hun ingen av gruppene.I stedet skapte hun figurative tablåer som var ment som feministiske satirer over kjønnsroller, kjendis og rikdom.IKvinner og hundhun tar på seg objektiveringen av kvinner, og måten mannlig pålagte standarder for femininitet brukes for å tvinge dem til å tilpasse seg.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Brillo-boksen er kanskje den mest kjente av en serie skulpturelle verk som Warhol skapte på midten av 60-tallet, som effektivt tok hans etterforskning av popkultur inn i tre dimensjoner.Tro mot navnet Warhol hadde gitt atelieret sitt – fabrikken – leide kunstneren inn snekkere til å jobbe med et slags samlebånd, og spikret sammen trekasser i form av kartonger for ulike produkter, inkludert Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes og Campbell's Soup, som vel Brillo såpeputer.Deretter malte han hver boks i en farge som matchet originalen (hvit i tilfelle Brillo) før han la til produktnavnet og logoen i silketrykk.Laget i multipler, ble boksene ofte vist i store stabler, noe som effektivt gjorde galleriet de var i til en høykulturell faksimile av et lager.Formen og serieproduksjonen deres var kanskje et nikk til – eller parodi på – den da begynnende minimalistiske stilen.Men det virkelige poenget medBrillo Boxer hvordan dens nære tilnærming til den virkelige tingen undergraver kunstneriske konvensjoner, ved å antyde at det ikke er noen reell forskjell mellom produserte varer og arbeid fra en kunstners atelier.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Judds navn er synonymt med Minimal Art, bevegelsen på midten av 60-tallet som destillerte modernismens rasjonalistiske påkjenning til det mest nødvendige.For Judd betydde skulptur å artikulere verkets konkrete tilstedeværelse i rommet.Denne ideen ble beskrevet av begrepet "spesifikt objekt", og mens andre minimalister omfavnet det, ga Judd uten tvil ideen sitt reneste uttrykk ved å ta i bruk boksen som sin signaturform.I likhet med Warhol produserte han dem som repeterende enheter, ved å bruke materialer og metoder lånt fra industriell fabrikasjon.I motsetning til Warhols suppebokser og Marilyns, refererte Judds kunst til ingenting utenfor seg selv.Hans "stabler" er blant hans mest kjente stykker.Hver består av en gruppe identisk grunne bokser laget av galvanisert platemetall, som stikker ut fra veggen for å lage en søyle med jevnt fordelte elementer.Men Judd, som startet som maler, var like interessert i farge og tekstur som han var i form, som her sett av grønnfarget auto-body lakk påført på forsiden av hver boks.Judds samspill av farger og materiale girUten tittel (stabel)en kresen eleganse som myker opp dens abstrakte absolutisme.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

I likhet med Benglis var Hesse en kvinnelig kunstner som filtrerte postminimalismen gjennom et kanskje feministisk prisme.En jøde som flyktet fra Nazi-Tyskland som barn, utforsket hun organiske former, og skapte deler i industriell glassfiber, lateks og tau som fremkalte hud eller kjøtt, kjønnsorganer og andre deler av kroppen.Gitt hennes bakgrunn er det fristende å finne en understrøm av traumer eller angst i verk som dette.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Etter Judd og Flavin gikk en gruppe kunstnere bort fra minimalismens estetikk med rene linjer.Som en del av denne postminimalistiske generasjonen satte Richard Serra konseptet med det spesifikke objektet på steroider, og utvidet omfanget og vekten betydelig, og gjorde tyngdelovene til en integrert del av ideen.Han skapte prekære balansehandlinger av stål- eller blyplater og rør som veide i tonnevis, noe som hadde effekten av å gi en følelse av trussel til verket.(Ved to anledninger ble riggere som installerte Serra-stykker drept eller lemlestet da verket ved et uhell kollapset.) I de siste tiårene har Serras arbeid tatt i bruk en krumlinjet forfining som har gjort det enormt populært, men i begynnelsen fungerer det som One Ton Prop (House) of Cards), som har fire blyplater lent sammen, kommuniserte bekymringene hans med brutal direktehet.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Etter den generelle motkulturelle trenden på 1960- og 1970-tallet begynte kunstnere å gjøre opprør mot kommersialismen i galleriverdenen, og utviklet radikalt nye kunstformer som jordarbeid.Sjangerens ledende skikkelse, også kjent som land art, var Robert Smithson (1938–1973), som sammen med kunstnere som Michael Heizer, Walter De Maria og James Turrel våget seg inn i ørkenene i det vestlige USA for å lage monumentale verk som handlet i samspill med omgivelsene.Denne stedsspesifikke tilnærmingen, som den ble kalt, brukte ofte materialer hentet direkte fra landskapet.Slik er det med SmithsonsSpiralbrygge, som stikker ut i Utahs Great Salt Lake fra Rozel Point på innsjøens nordøstlige bredd.Laget av gjørme, saltkrystaller og basalt utvunnet på stedet,Spiral Jetty måler1500 ganger 15 fot.Den var nedsenket under innsjøen i flere tiår til en tørke på begynnelsen av 2000-tallet brakte den til overflaten igjen.I 2017,Spiralbryggeble kåret til det offisielle kunstverket til Utah.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Den franskfødte kunstnerens signaturverk,Edderkoppble opprettet på midten av 1990-tallet da Bourgeois (1911-2010) allerede var i åttiårene.Den finnes i en rekke versjoner av varierende skala, inkludert noen som er monumentale.Edderkopper ment som en hyllest til kunstnerens mor, en billedvevsrestaurerer (derav hentydningen til edderkoppens tilbøyelighet til å spinne vev).

Shutterstock

Vinner av den prestisjetunge Turner-prisen i 1994, Antony Gormley er en av de mest berømte samtidsskulptørene i Storbritannia, men han er også kjent verden over for sitt unike inntrykk av figurativ kunst, en der brede variasjoner i skala og stil er basert, for det meste på samme mal: En avstøpning av kunstnerens egen kropp.Det er sant for dette enorme bevingede monumentet som ligger nær byen Gateshead i det nordøstlige England.Ligger langs en stor motorvei,Engelstiger til 66 fot i høyden og spenner 177 fot i bredden fra vingetipp til vingetipp.I følge Gormley er verket ment som en slags symbolsk markør mellom Storbritannias industrielle fortid (skulpturen ligger i Englands kullland, hjertet av den industrielle revolusjonen) og dens postindustrielle fremtid.

Med tillatelse CC/Flickr/Richard Howe

Kjærlig kalt "The Bean" av Chicagoans for sin bøyde ellipsoide form,Cloud Gate, Anish Kapoors offentlige kunstsenter for den andre byens Millennium Park, er både kunstverk og arkitektur, og gir en Instagram-klar buegang for søndagsvogner og andre besøkende til parken.Laget av speilstål,Cloud Gate's fun-house reflektivitet og store skala gjør det til Kapoors mest kjente stykke.

Med tillatelse fra kunstneren og Greene Naftali, New York

Rachel Harrisons arbeid kombinerer en fullendt formalisme med en evne til å gjennomsyre tilsynelatende abstrakte elementer med flere betydninger, inkludert politiske.Hun stiller voldsomt spørsmål ved monumentalitet og det maskuline privilegiet som følger med.Harrison lager hoveddelen av skulpturene sine ved å stable og arrangere blokker eller plater av isopor, før de dekker dem med en kombinasjon av sement og maleriske blomstrer.Kirsebæret på toppen er en slags funnet gjenstand, enten alene eller i kombinasjon med andre.Et godt eksempel er denne utstillingsdukken på toppen av en langstrakt, malingssprutet form.Iført en kappe, og en bakovervendt Abraham Lincoln-maske, sender verket opp historien om den store mannens teori med sin antydning av den antikke verdens erobrer som står høyt på en klovnefarget stein.